こんにちは。いのうえちづよです。
曲によっては、テンポがほんの少し速くなったり、ゆっくりになったりする「ゆらぎ」が自然と生まれることがあります。
今日は、この“曲のゆらぎ”についてやさしくお話していきます。
「曲のゆらぎ」とは？演奏に生まれる自然な動きのこと
音楽には「高揚感」や「気持ちの揺れ」があります。
その気持ちの変化に合わせて、テンポが自然に変化することがあります。
たとえば…
-
クレッシェンド（だんだん強く）
-
アッチェレランド（だんだん速く）
といった表示があるところでは、気持ちが前に進むように、
少しだけ速くなったほうが曲の雰囲気と合うことがあります。
また、音が 上行形に進む部分でも、自然と気持ちが高ぶり、
「ちょっと速く弾きたいな」という感情が生まれます。
こうした“音楽的な気持ちの動き”によるテンポの変化が、
曲のゆらぎ です。
「表現としてのゆらぎ」が生まれる場面
具体的にはこんなところ👇
-
クレッシェンドで盛り上がる部分
-
フレーズが上り調子になる場面
-
濃淡をつけたいところ
-
気持ちを前に運びたいフレーズ
ゆらぎは、演奏者が曲をよく理解し、
その場面に合った「表現」を自然にした結果として生まれます。
囚われる…ってこと？
うん、そのフレーズの気分に引っ張られる感じだね。
「弾けないから遅くなる」は“ゆらぎ”ではありません
ここで大事なポイントがあります。
ミスしやすいところだけ遅くなる
弾けるところだけ速くなる
これは、残念ながら“ゆらぎ”とは別物です。
これは、ただ単に
弾ける・弾けない箇所の速さの差
が出ているだけで、まだ表現として扱える段階ではありません。
一定の速さで弾けることが、ゆらぎ表現の前提条件
曲全体を、まずは 同じテンポで最後まで弾ける状態 を作りましょう。
この段階ではメトロノームがとても役立ちます。
わたし、メトロノームを使わないと弾けない…。
大丈夫。まずは“道具を使いながら慣れる”でOKだよ。
メトロノーム練習で気をつけたいポイント
足で拍をとらない
足は、指の動きより遅くなりがちで、
結果として速さが上げられなくなることがあります。
「意味ないじゃ〜ん」
手で拍子をとるほうが効果的
-
片手で練習し、もう片方の手で拍子をとる
-
メトロノームに合わせて手拍子だけをしてみる
拍の流れが“自分の体の感覚”でつかめます。
メトロノームは毎回使わなくてOK。道具に使われないこと
メトロノームは常に使うものではなく、
目的に応じて使い分けるのがおすすめです。
目的例：
-
速さの確認
-
テクニックの練習
-
一定のテンポで弾く練習
そして、
表現段階に入ったら、メトロノームは外してOK。
ここで初めて、曲の“ゆらぎ”を自然に感じながら弾けるようになります。
じゃあ、外してもいいんだね。
うん、表現するときはむしろ外した方がいいよ。
聴き手が心地よい“ゆらぎ”をめざして
ゆらぎは“極端に”やるものではなく、
聴いている人が心地よく感じる範囲で使うのがポイント。
-
ちょっと高揚した気持ち
-
歌うような流れ
-
フレーズの呼吸
これらを大切に弾くことで、
あなたの演奏に自然で美しいゆれが生まれます。
まとめ｜１歩上の表現は“自然なゆらぎ”から
-
ゆらぎ＝気持ちの動きによる自然なテンポの変化
-
弾けない箇所との速さの差とは別物
-
一定テンポができて初めて表現できる
-
メトロノームは目的に合わせて活用
-
表現段階ではメトロノームを外して、音楽の流れを感じる
ぜひ、曲が持つ高揚感と自然なゆらぎを味わいながら、
あなたらしい“伝わる演奏”を楽しんでくださいね。
今日も読んでくださり、ありがとうございました。
